Análisis Crítico del texto "Arte como sistema cultural", de Clifford Geertz.

El texto de C. Geertz hace una reflexión sobre la interpretación del hecho artístico y un estudio de los medios de expresión de éste paralelo a la propia existencia del individuo.

El autor se apoya en la descripción de experiencias con diferentes culturas para hacer ver que el arte, aparte de ser un medio de expresión, tiene una capacidad de ser leído o interpretado. Todas las culturas reflexionan sobre el arte, lo que ocurre es que la visión del arte desde la perspectiva de la estética occidental siempre ha quedado en manos de una concepción externa del fenómeno de observación.

Geertz defiende que dependiendo de la “cultura” y referencias del observador, entendiendo por cultura la sociedad a la que pertenece, la visión del arte va a ser diferente. Es posible que un espectador sin referencias de una obra que no pertenece a su cultura no capte la idea que ha intentado transmitir el artista.

Partimos entonces de las diferentes visiones e interpretaciones de arte, pero me parece más importante explorar acerca de la experiencia. El observador, además de pertenecer a una cultura tiene unas experiencias acumuladas, que son las que al interesarse u observar una obra le sirven para leer esta e instintivamente las pone en relación a sus vivencias. Esto lo defiende el autor hablando de los estudios de Baxandall acerca de la interpretación que de la pintura del quatrocento hacía el público del renacimiento. 

Lo que defendía Baxandall era que el gusto, o la percepción de una pintura, residía en “el acuerdo entre las discriminaciones que exige un cuadro y las habilidades para discriminar que posea el espectador”. Estas habilidades, que él defiende como las capacidades de medir y conocimientos previos, también están basadas en la propia experiencia.

Es posible así poder aprender a leer el arte, pero siempre a partir de una participación en el sistema general de las formas simbólicas de la cultura. Podemos reducir el arte a un lenguaje, y estudiar el lenguaje perteneciente a la cultura, pero también podemos explorar una sensibilidad y ésta parte de una experiencia estética, la cual no sigue un mecanismo fijo.

A través del estudio de la poesía creada por los poetas del islam, en la que la poesía se compone en la misma recitación y que es un acto de creación en sí, el poeta construye su poema a partir de un número de formas establecidas, pero nunca se repite, en un acto de continua renovación. ¿es posible comprender una cultura a través de una simbología?

En última instancia, lo que el autor propone en este texto es la creación de una ciencia semiótica en la que se estudien los símbolos y se construya un nuevo lenguaje en el que el medio de comunicación sea el arte.

Mi opinión personal es que no creo que esto sea posible, al autor se le olvida que el arte participa más de las emociones que conlleva en última instancia el hecho artístico y que esto es difícilmente susceptible de aplicación de un estudio reflexivo.

Entiendo que se puede descifrar una obra a través de los signos que la componen, pero el hecho que mueve al autor a realizar esa obra puede estar lejos del resultado que obtengamos, a pesar de que se encuentre y se mueva a través del lenguaje propio de la cultura a la que pertenece.

Finalmente, el arte es algo íntimo e individual., lo que lo hace difícil de reducir a un conjunto de signos descifrables y cuantificables; y mucho menos a una ciencia exacta. Habremos de ser pues expertos en estudios de sensibilidades para ir más allá en una lectura de una obra de arte.

Metodologías para la Creatividad (2)

En la entrada anterior nos habíamos acercado al témino creatividad y a la definición que la condiciona al pensamiento divergente. Algunos autores como Gardner o Marina ligan los téminos creatividad y pensamiento científico, ya que los conocimientos no son compartimentos estancos y pueden estar relacionados.

En este sentido la conferencia que hemos visto en clase de Sir Ken Robinson en las conferencias Ted 2006 aportan mucha luz sobre el tema. Él plantea la necesidad de crear un sistema educativo que nutra (en vez de socavar) la creatividad.

Sir Ken Robinson es un líder reconocido a nivel mundial en el desarrollo de la creatividad, innovación y recursos humanos. En la conferencia expresa sus ideas sobre la creatividad inmensa del ser humano, desde la niñez, y el efecto que la educación tiene sobre ese potencial creativo como un proceso negativo que mata la creatividad. Durante su charla toca tres temas relacionados con la educación:

• 1. La extraordinaria evidencia creativa del ser humano.
• 2. Nadie sabe lo que va a pasar en un futuro, ni siquiera inmediato y sin embargo estamos formando y educando a los niños y niñas para ese futuro.
• 3. La extraordinaria capacidad que tienen los niños para innovar y se está desperdiciando ese talento, en su criterio por la cada vez menor presencia del arte en la escuela.

Y tres cosas que sabemos sobre la inteligencia:

• 1. La inteligencia es diversa, pensamos en el mundo de todas las formas en las que lo experimentamos (visual, auditiva).
• 2. La inteligencia es dinámica, el cerebro no está compartimentado.
• 3. La inteligencia es diferenciada, cada persona tiene un talento diferente.

Sostiene que los niños son creativos y no les importa equivocarse, se atreven hasta con lo desconocido, y luego siguen a otra cosa. Pero el sistema educativo les mata la creatividad, porque no se admite el error. Todo el sistema está basado en la prohibición y la corrección del error. Defiende asimismo una educación donde el arte esté más presente, ya que los tiempos en los que nos movemos son tan inciertos que es necesario cambiar la visión de la educación pública, para hacer futuros adultos abiertos a más soluciones y con capacidades altamente creativas.

Otra metodología aplicable al desarrollo portencial de la creativasda es la creada por De bono en 1985, conocida como "seis sombreros para pensar". Esta técnica ayuda a enforcar un pro blema desde múltiples perspectivas:

-Los sombreros son metáforas de representaciones de nuestras diferentes maneras de pensar.

-En esta técnica cada persona de un grupo de trabajo debe ponerse un sombrero y adoptar un rol en función de un color. Si en un grupo faltan personas una persona puede asumir roles diferentes en tiempos diferentes.

-Se basa en qu ela principal restricción del pensamiento son las defensas del ego. Los sombreros nos permiten decir cosas que de otro modo no podríamos pensar ni decir sin arriesgar el ego.

Los colores que describen las diferentes maneras de pensar son los siguientes:

-blanco: mirada objetiva. Los hechos son los hechos.

-rojo: punto vista emocional, sentimental. Basado en la intuición.

-negro: putno de vista negativo, crítico.

-amarillo: lógica positiva, optimista. Utilización de la lógica para resolver los problemas.

-verde: Pensamiento creativo, movimiento, provocación. Propone sin temor a equivocarse.

-azul: control y gestión del pensamiento. Coordina los pensamientos, gestiona, propone y llama al orden. Es el responsable de la síntesis y cierra el proceso de creación o resolución de problemas.

Bajo estas premisas hemos desarrollado la primera acción pedagógica que se trataba de pensar en Cómo y qué enseñar las Vanguardias Artísticas, para un alumnado de primero de ESO y con seis horas disponibles.

Hemos tenido 25 minutos para realizar la práctica, y aunque las recomendaciones lanzadas por Carlos habían sido 1)pensar con absoluta libertad pero con realismo y 2) utilizar metodologías creativas e interdisciplinares; nos ha costado mucho asumir a cada sombrero su color.

Particularmente, en el grupo hemos realizados dos acciones. Estar en el color azul significaba gestionar y sacar conclusiones, y realmente ha sido muy difícil cuando nadie estaba realmente en su color. Si bien es verdad que dependiendo del color ha estado más fácil o difícil mantenerse en él, al blanco le ha costado mucho ser objetivo, y los límites del amarillo y el verde realmente no los hemos tenido muy claros, ya que uno intentaba proponer y el otro resolver los problemas con lógica.

En general la técnica de los seis sombreros me ha resultado interesante por el hecho de que cuando cambias de sombrero es más facil valorar los diferentes puntos de vista. También creo que es positivo el hecho de que muchas veces vemos un problema desde un único enfoque, cuando si lo pudiéramos abordar de diferente manera, igual su solución estaría más a nuestro alcance. Creo que es una buena práctica para fomentar y educar la creatividad.

Metodologías para la Creatividad (1)

Para poder ofrecer una buena enseñanza a los alumnos, debemos conocer el desarrollo evolutivo en el que estos están y poder realizar un buen uso de diferentes técnicas de creatividad. Como educadores artísticos tenemos que íntentar dar ejemplo tanto de análisis como de creacción.

Estos días de clase ha surgido el cuestionamiento de qué es la creatividad. Es cierto que estamos acostumbrados a ver las cosas desde un único punto de vista, una buena definición de creatividad es la que toma o acierta a ver las diferentes posibilidades o soluciones para un único problema. Esta idea parte del pensamiento divergente.

Nosotros hemos puesto en práctica la metodología del Brainstorming (Alex Osborn, 1957) con el planteamiento de definir la creatividad. El procedimiento que hemos seguido para realizar correctamente la lluvia de ideas ha sido el siguiente:

-Nos hemos dividido en grupos de 4 a 7 personas
-Cada grupo debía tener un corrdinador/a que tenía que promover la participación de todos los integrates del grupo y un secretario/a que registraba las diferentes definiciones de la creatividad.
-Con un tiempo límite de 15 minutos teníamos que llegar a una conclusión de creatividad.

Partiendo de estas premisas, la experiencia ha sido muy productiva. Es cierto que la metodología que se planteaba, si bien la conocía ya, nunca la había realizado fijando un tiempo de antemano. La conclusión a la que hemos llegado en clase es que cuando fijas un tiempo haces que la experiencia sea más productiva, ya que con un tiempo ilimitado tendemos a pensar muchas ideas, pero llegamos normalmente a pocas conclusiones.

En la práctica de grupo hemos fijado un tiempo para lanzar ideas: palabras que nos sugerían el término creatividad y posteriormente hemos intentado crear una definición. Nuestra definición ha sido la siguiente:
"Creatividad es aquello que surge de la nada como un volcán en un momento de crisis activando rápidamente un pensamiento estético que entra en movimiento para generar emociones y colores, revolucionando la vida de los hombres y generando nuevas ideas".
La definición aportada ha tratado de unir todas las palabras que habíamos ido lanzando en la primera fase. Particularmente creo que hemos optado por la solución fácil de todas las premisas valen, pero creo que en un brainstorming generalmente hay que lanzar soluciones sin pensar mucho en si valen o no, para en una segunda fase quedarnos únicamente con las que nos sirven. Esta segunda fase es la que no creo que hayamos realizado muy formalmente, porque a nosotros nos han servido todas las premisas lanzadas.
Aún así, como experiencia ha sido todo un descubrimiento, ya que nos hemos dado cuenta de que podemos ser productivos si nos ponemos una limitación de tiempo y una meta prefijados y también hemos tenido que trabajar en grupo y valorar las soluciones de los demás.

¿qué es el ARTE?

Una primera aproximación a la asignatura. La primera semana de clase fue realmente inquietante. Las primeras preguntas que nos lanzó Carlos fueron ¿por qué ser un educador artístico? ¿Cuál es tu visión de la educación artística? y ¿qué es ser un educador artístico?.

Nunca habría pensado que tres preguntas un primer día de clase me pudieran dejar tan desencajada. La reflexión no era ya la decisión de estudiar este máster, que se sale un poco de lo que una habría pensado hace ya algún tiempo, sino para qué¿? y saber que mis decisiones de ahora podrían marcar a otras personas, unos futuros alumnos a los que ahora mismo vemos muy lejanos, pero que podrían estar ahí algún dia...

Mis respuestas a las tres preguntas fueron: no lo sé. Es decir, sé lo que es un educador artístico en un contexto en el que yo me he movido, hace ya algún tiempo. Y sé que no me gustaba cómo tendían a desarrollar la materia y las clases, pero nunca me había parado a reflexionar cómo se podría hacer mejor. Coincido con muchos de mis compañeros en pensar que la educación artística debería ser educar una sensibilidad, una visión alternativa y complementaria de la realidad. Una herramienta más para desenvolverse en la vida, no es ninguna inutilidad si les enseñamos a analizar la realidad desde un punto de vista artístico y creativo...pero ¿cómo? Bueno, eso se va a ver a lo largo de las clases.

Una segunda reflexión se propuso en torno al arte, artista y manifestación estética.

De las cuestiones planteadas en clase, las que más me han hecho reflexionar han sido las siguientes:

¿Se encuentra goce estético en relación a imágenes impactantes, por ejemplo en las del 11 de septiembre? Es cierto que si no supiéramos que las imágenes son reales, estas producen cierto goce estético, impactan y hacen que no podamos dejar de verlas. Si la imagen está descontextualizada podemos percibirla como objeto estético, porque provoca nada más que por el hecho de ser percibida.
¿En qué grado está relacionado el arte con la belleza? En el mundo antiguo el concepto de belleza reunía el equilibrio y complementaba o era sinónimo del bien y la verdad. El arte de nuestros días o lo que entendemos por él ya no responde a un canon de belleza predeterminado, sino que pretende transmitir, tiene una intención y es una forma de expresión que no siempre se mueve con el ánimo de seducir, sino de provocar.
¿Es necesaria la técnica para que un objeto sea considerado objeto artístico? Esta no es una condición sinequanum, conocer las herramientas aporta libertad, pero el arte es ante todo un medio de expresión.
¿La originalidad es condición de la obra de arte? Aquí el profesor comparaba la película "psycho" de Gus Van Sant, con la de "psicosis" que es la original. Mi punto de vista me hace pensar que la obra de arte debe ser original, es cierto que lo original de la película psycho es la pretensión de copiar la de Hitchcock plano a plano, pero para mí cuando pienso en el arte pienso en creatividad y originalidad, y eso debe ir unido.
¿Hay una esencia del arte? Es cierto que la actividad artística la mantienen todas las culturas, pero pienso que cada cultura tiene su punto de vista diferente. Incluso hay diferencias hoy en día en nuestra cultura acerca de obras que se consideran obras de arte por los críticos o por grupos y que los demás no lo entendemos como tal.

Mi visión es la siguiente:

El arte debe ser la expresión de una idea a través de un acto o un objeto, con la intención de producir una emoción en el que lo contempla o recibe. El hecho de realizar el arte es lo que se percibe como manifestación estética.

Dependiendo del observador, la manifestación estética puede provocar algún tipo de reacción o no. No todas las obras se hacen para gustar, y no todos los que experimentan el arte tienen el mismo bagaje cultural; por lo que las percepciones van a ser diferentes. El arte es ante todo una forma de expresión, y en última instancia una forma de comunicación.

En cuanto a cómo enseñarlo, es lo que vamos a ver a lo largo de las sesiones, no paro de pensar que enseñar el arte, a entenderlo y a expresarlo (en el fondo a comunicarse), es una misión difícil y complicada, pero es cierto que las visiones de hoy son diferentes a las de antes.

Puede ser una utopía, pero desde hace algunos días tengo una frase en la cabeza. La tomo prestada de la película Noviembre, de Achero Mañas, que a su vez la tomaba prestada de un poema de Gabriel Celaya: "El arte es un arma cargada de futuro".
La película trata de un grupo de teatro que entiende éste como una forma de comunicación que va más allá del escenario, que entiende que el teatro debe ser un instrumento de comunicación entre los hombres para hacerlos mejores, para que se sientan vivos, un arte libre, un medio para cambiar la sociedad y con ella el mundo. Esto podría ser la educación artística también, un instrumento para cambiar a la sociedad, como dicen ellos "El arte es un arma cargada de futuro". El poema de Celaya hablaba sobre la poesía, pero creo que fácilmente podemos sustituir POESÍA por ARTE en lo que él expresa tan bien. Aquí os lo dejo:

LA POESÍA ES UN ARMA CARGADA DE FUTURO

Cuando ya nada se espera personalmente exaltante,
mas se palpita y se sigue más acá de la conciencia,
fieramente existiendo, ciegamente afirmado,
como un pulso que golpea las tinieblas,

cuando se miran de frente
los vertiginosos ojos claros de la muerte,
se dicen las verdades:
las bárbaras, terribles, amorosas crueldades.

Se dicen los poemas
que ensanchan los pulmones de cuantos, asfixiados,
piden ser, piden ritmo,
piden ley para aquello que sienten excesivo.

Con la velocidad del instinto,
con el rayo del prodigio,
como mágica evidencia, lo real se nos convierte
en lo idéntico a sí mismo.

Poesía para el pobre, poesía necesaria
como el pan de cada día,
como el aire que exigimos trece veces por minuto,
para ser y en tanto somos dar un sí que glorifica.

Porque vivimos a golpes, porque apenas si nos dejan
decir que somos quien somos,
nuestros cantares no pueden ser sin pecado un adorno.
Estamos tocando el fondo.

Maldigo la poesía concebida como un lujo
cultural por los neutrales
que, lavándose las manos, se desentienden y evaden.
Maldigo la poesía de quien no toma partido hasta mancharse.

Hago mías las faltas. Siento en mí a cuantos sufren
y canto respirando.
Canto, y canto, y cantando más allá de mis penas
personales, me ensancho.

Quisiera daros vida, provocar nuevos actos,
y calculo por eso con técnica qué puedo.
Me siento un ingeniero del verso y un obrero
que trabaja con otros a España en sus aceros.

Tal es mi poesía: poesía-herramienta
a la vez que latido de lo unánime y ciego.
Tal es, arma cargada de futuro expansivo
con que te apunto al pecho.

No es una poesía gota a gota pensada.
No es un bello producto. No es un fruto perfecto.
Es algo como el aire que todos respiramos
y es el canto que espacia cuanto dentro llevamos.

Son palabras que todos repetimos sintiendo
como nuestras, y vuelan. Son más que lo mentado.
Son lo más necesario: lo que no tiene nombre.
Son gritos en el cielo, y en la tierra son actos.

Gabriel Celaya.